Por los pasillos del tiempo: Mi historia con Chrono Trigger

Un péndulo oscilante se detiene poco a poco al sonido de las pequeñas notas de un piano, pero todo se ve interrumpido por el golpe de unos tambores, así vemos una C mayúscula atravesar la pantalla, para luego escuchar unos pequeños vientos sintetizados y la construcción de un título: CHRONO TRIGGER. Con esta pequeña introducción, ya se comienza a construir una atmosfera muy especial, una que nos adelanta que estamos frente a algo muy mágico y distinto (mucho más en su tiempo).

Rara vez me planteo hablar demasiado de mis »juegos fetiche», pero supongo que tarde o temprano debería dedicarle algunas palabras a este juego, y al igual que cuando hice lo propio con Mother 3, prefiero hacerlo desde la vereda más emocional.

Y la verdad, no hacerlo de esa forma sería un despropósito, porque esta epopeya de viajes en el tiempo colma muchos de mis tops personales: mejores juegos, melodías de videojuegos favorita (con varios puestos para el sólo), mejor juego de SNES, mejor juego de NDS, mejor RPG, y podría extenderme y hasta inventar categorías de la nada de manera indefinida. Pero yo creo que lo mejor es ir desarrollando esto por partes, y hablar de mi historia con el juego.

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Jugar, emocionarse y reflexionar: Mother 3, un viaje muy personal (I WANNA BE THE STAN)

Cuando pensamos en Nintendo a más de alguno se le vendrá a la mente la idea de juegos de corte familiar, estética muy amigable y donde la jugabilidad termina siendo el motor que articula y roba el protagonismo de la mayoría de sus títulos. A los de Kyoto muchas veces se les critica que las historias no sean ni adultas ni complejas, y que los personajes más allá de carismáticos no logren ciertos niveles de profundidad ni desarrollo, que en teoría se ven en los juegos de enfoque más adulto de la competencia.

Pero existe un pequeño grupo que tiene conocimiento de que existe una saga muy particular y que cubre de una manera bastante interesante los puntos que se le tienden a criticar a Nintendo. Hablo por supuesto de Mother, más conocida en occidente como Earthbound.

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La saga NieR: una oda a la narrativa propia del videojuego

Cuando hablamos de la manera en cómo ha evolucionado la narrativa en los videojuegos tendemos a pensar en cómo esta se va acercando cada vez más a medios como el cine, y como utiliza planos de cámara junto a encuadres mucho más cercanos a este medio. Pero también a otro tipo de aspectos como la aparición de una narrativa emergente para contar y profundizar en historias recompensando al jugador que le dé tiempo y espacio a la exploración. Precisamente en detrimento de esto, es que una narrativa que juegue con las reglas propias del videojuego y el entendimiento que tiene el jugador de estas cada vez se vuelven menos palpables.

Debo decir que hace poco tuve la oportunidad de disfrutar de las dos entregas de Nier, y sin lugar a duda me impresionaron bastante por la idea y entendimiento que tienen sobre el videojuego, especialmente en el aspecto narrativo. Bajo esta premisa podría mencionar muy pocos, generalmente indies como Pony Island (Daniel Mullins Games, 2016) y algunos aspectos de Undertale (Toby Fox, 2015). Más allá de estas menciones honrosas, toca adentrarse en los que presenta la franquicia de Yoko Taro.

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A través del tiempo más oscuro: un vistazo al acercamiento del a Segunda Guerra Mundial y el videojuego

La industria del videojuego ha contado con una gran evolución a lo largo de su historia, siendo bastante cambiante, pero pudiendo identificar claros ciclos de tendencias durante algunos períodos. Echando un poco la vista atrás nos toparemos con épocas donde géneros como los shoot ‘em ups, beat ‘em ups, fighting games, shooters, sandbox y últimamente los Battle royale proliferaron y se destacaron en comparación a otros títulos contemporáneos. Algo similar sucede con las temáticas, donde han tendido a predominar la fantasía medieval, los títulos de corte japones, adaptaciones de licencias, así como el realismo y la ficción histórica. Precisamente en estas últimas categorías nos encontramos con una preferencia importante por los conflictos bélicos, dentro de los cuales sin duda quien se lleva todas las luces es el escenario que nos presenta la Segunda Guerra Mundial ¿Pero realmente cambian demasiado los que nos muestran los juegos sobre este conflicto? Luego de haber completado recientemente al indie Through the Darkest of Time (Paintbucket Games, 2019) pretendo dar algo de luz sobre esta interrogante.

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Mogura Engine: Licencias y Metroidvanias a la japonesa

En la actualidad más de alguno tendrá claro que es un motor gráfico dentro de un videojuego, principalmente gracias al enorme impulso que gano Unreal en la generación pasada y posteriormente Unity en la presente generación de consolas. Por supuesto la gente con más años recordara otros nombres bien conocidos como las distintas versiones del Quake Engine e id Tech o el GoldSrc y Source Engine de Valve, cuando aún existía una mayor variedad de motores. En la actualidad el mercado se encuentra prácticamente homogenizado y esto va prácticamente para todos los sectores del videojuego, sean AAA o títulos independientes, aunque en estos últimos vemos motores no tan transversales como podría ser el Game Maker Studio. Pero la verdad existe otro motor gráfico de elaboración bastante ‘‘artesanal’’ que se puede apreciar de manera más constantes en juegos independientes de corte japones y enfocado principalmente al género de los metrodvania, hablo del siempre interesante Mogura Engine.

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Game Boy Color o el perfeccionamiento en las juegos de »8 bits»

Durante los últimos años y más recientemente -si han seguido mi hilo de Twitter donde menciono los títulos que completo a lo largo del año- he podido disfrutar de la Game Boy Color, aquella versión más potente de la querida portátil de Nintendo, que se lució durante los últimos años del milenio pasado y principios del actual. Una consola que todavía mantenía su aura de ‘’8 bits’’ en una época donde se saltaba de una generación donde lo poligonal se volvió estándar a otra que terminaría por establecer los juegos en tres dimensiones. Recientemente al probar títulos de la Nintendo Entertainment System, la Master System, Game Gear y la misma Game Boy clásica, y compararlos con los títulos de su versión a color, es que me surgió una pregunta interesante ¿Fue la Game Boy Color la consola que mejor perfecciono los títulos de ‘’8 bits’’?

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Halo: Combat Evolved Anniversary (Xbox One) [El GAMER INVISIBLE 4]

Siempre tiendo a mencionar que me perdí toda una generación de la que muchos atesoran grandes recuerdos, hablo exactamente de aquella donde convivieron grandes sistemas como Dreamcast, Playstation 2, Gamecube y Xbox. Precisamente hasta hace pocos meses mi acercamiento al catalogo de esta última consola y a las franquicias más insignes de Microsoft no pasaba de uno que otro titulo en PC, y por supuesto eso incluía a Halo. La verdad nunca he sido tan asiduo a los shooters y mucho menos en consolas (aunque mi amor por GoldenEye (Rare, 1997) es conocidos). Pero bueno hace poco adquirí una Xbox One y teniendo el Gamepass encontré que era un buen momento de ponerme al día con algunas sagas de la compañía de Redmond, por lo que que hoy toca hablar de la primera interacción del Jefe Maestro, eso si en su remozada versión del 2011 incluida en la colección del año 2014.

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Mi 2019 en videojuegos: Juegos de rol.

Como muchos ya sabrán desde el año pasado comencé a tomar nota de lo que juego durante el año a través de hilos en Twitter, haciendo reseñas más o menos breves de los títulos que logro completar, en contraposición a los análisis más detallados que suelo realizar en el blog (ya no con tanta frecuencia). En parte debido a que ya acaba el año, es que he decidido hacer algunas entradas separadas por tipo de género para hablar un poco sobre estos juegos. Precisamente, era de esperar que iniciara esta entrada hablando sobre los RPG, uno de los juegos que más me cautivan y a los que les dedico más horas de juego, dentro de la mayoría de sus variaciones.

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Distraint: El terror también son nuestras decisiones

Octubre es un mes donde los rituales comienzan a aflorar, las criaturas de la noche rondan a sus anchas con expectativas hacia el último día del mes y curiosos rituales toman formas. Básicamente el horror, el terror y lo desconocido se vuelven los protagonistas de las más diversas formas. Así aparecen la tensión y el miedo, generalmente hacia estas criaturas o hacia otro ¿Pero el verdadero miedo surge de los demás o surge de nuestro interior? Precisamente existe un titulo que toma bastante bien esta problemática como base. Con ustedes una historia de desahucios.


Desarrollador: Jesse Makonen

Año: 2015

Género: Aventura gráfica, Horror.

Disponible en: PC, Android, Vita, Xbox One, PlayStation 4, Nintendo Switch.


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Videojuegos y preservación cultural: Never Alone y Mulaka

Hoy en día las discusiones sobre los efectos del videojuego en la población y su valor como producto cultural siguen suscitando acalorados debates, especialmente en países como Estados Unidos donde se tiende a asociar a estos con la gran cantidad de tiroteos que se viven cada año en aquel país. En esta situación se tiende a demonizar a los videojuegos como promulgadores de una violencia irracional que se excusa en la idea lúdica, de entretener. A pesar de que, es difícil mencionar videojuegos donde no tengamos por objetivo derrotar, matar o eliminar  adversarios eno seres de todo tipo, se puede entender que las mecánicas de juego, el contexto y el mensaje que poseen los videojuegos es mucho más amplio y variado de lo que los medios más tradicionales y el publico más conservador tiende a mencionar.

Precisamente la industria y el desarrollo de videojuegos se ha masificado lo suficiente para que cada vez sea más fácil publicar videojuegos – por ejemplo, sólo en 2018 se incorporaron 9.300 juegos más al catálogo de Steam, el cual para fines de ese año contaba con alrededor de 30.000 títulos en su plataforma-, lo que junto con la creciente industria indie ha llevado a la existencia de juegos muchos más personales, experimentales y a una proliferación de distintos tipos de mensajes. Uno de los más curiosos ha sido el de utilizar a los videojuegos como un medio de rescate cultural. Bajo esta idea analizaremos los casos de Never Alone (Upper One Games, 2014) y Mulaka (Lienzo, 2018), dos juegos que pueden clasificarse en este tipo de mensaje, pero que poseen importantes diferencias.

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